Cosas para hacer en Barcelona en mayo

El Palo Market Fest sigue sumando ediciones: durante el fin de semana, el oasis de Poblenou se inundará de propuestas de diseño, gastronomía y música. Como siempre, productos de moda, objeto, belleza y salud poblarán los tenderetes del festival, creados por jóvenes diseñadores, artistas locales y pequeñas empresas emergentes. Una cuidada selección que destaca por su creatividad y producción responsable.

Una de las actividades destacadas del Palo Market Fest es el taller creativo de Caliopiaa, que propone una inmersión en técnicas de dibujo. Los Vermuts Musicals by Moritz darán color a las mañanas del fest: conciertos en pequeño formato de Héroes Locales, música de autor y sin covers, que reflejan la diversidad musical de Barcelona. En 2025 continúan apostando por las nuevas generaciones de jazz del Taller de Músics y el Cabal Musical, explorando también el flamenco, la música antigua y ritmos urbanos. 

El Espai Mercè Sala acoge la exposición Maria Canals, un concurso con alma, abierta hasta el 21 de junio de 2025. La muestra conmemora los 70 años del Concurso Internacional de Piano Maria Canals y los 100 años del metro de Barcelona. Fundado en 1954 por la pianista Maria Canals, el certamen ha sido clave en la promoción de jóvenes intérpretes y en la difusión musical, con una importante dimensión educativa y social.

La exposición, ubicada en la estación Diagonal, incluye fotografías, citas y audiovisuales que repasan su historia y su vitalidad actual. Además, la iniciativa se complementa con la instalación de dos pianos en el metro: un piano de cola disponible para el público hasta el 3 de abril y un piano vertical que se instala de forma permanente como prueba piloto. ¡Una acción que invita a la ciudadanía a vivir y compartir la música en espacios cotidianos, acercando el arte al día a día del transporte urbano!

CosmoCaixa acoge la exposición Extraterrestres. ¿Hay vida fuera de la Tierra? del 25 de febrero de 2025 al 30 de agosto de 2026: un libro abierto de gran rigor científico que resuelve y pone de manifiesto algunas de las dudas que existen sobre nuestro lugar en el cosmos, què significa vida, o la forma en que la literatura y el cine han construido un imaginario colectivo sobre los extraterrestres. La muestra ha contado con la ayuda y soporte de expertos y asesores científicos. Para ello, se vale de audiovisuales, interactivos, experiencias sensoriales inmersivas y algunos objetos y planos originales de la NASA u otras instituciones de prestigio. Por ejemplo, podréis ver escenografías con maquetas como la del rover Perseverance o la del helicóptero Ingenuity.

Del 17 de mayo al 15 de junio, Vilassar de Dalt acoge la 13ª edición del Festival Revela’t, el gran evento internacional dedicado a la fotografía analógica contemporánea. Con una programación sorprendente y el lema He visto cosas que no creeríais… (inspirado en Blade Runner), el festival invita al público a cuestionar la realidad y reflexionar sobre temas como la inteligencia artificial, el cambio climático, los conflictos bélicos o la urbanización descontrolada. 

¿De qué va? Por primera vez en Barcelona, tres versiones de La visión de San Francisco por el Papa Nicolás V de Zurbarán se reúnen en una misma sala. Una viene de Lyon, otra de Boston y la tercera ya estaba en casa, en el MNAC. Este encuentro inédito nos permite observar cómo el genio barroco jugó con la luz, la composición y los detalles para dar forma a su visión de una leyenda religiosa, y es el punto de partida de la exposición que el Museo Nacional dedica al maestro sevillano.

¿Por qué hay que ir? La exposición, bajo el nombre de Zurbarán (sobre)natural, no es una retrospectiva del pintor, sino que busca establecer conexiones entre el artista y creadores catalanes contemporáneos como Alfons Borrell, Toni Catany, Joan Hernández Pijuan, Josep Guinovart, Antoni Llena, Francisco Martínez, Aurèlia Muñoz, Marta Povo, Antoni Tàpies y Eulàlia Valldosera. Al enlazar piezas religiosas de Zurbarán con creaciones inspiradas en el artista o en los temas que trataba, la muestra evoca una continuidad en la síntesis formal y en la aspiración espiritual.

¿De qué va? Francesc d’Assís Galí i Fabra (1880–1965) fue una figura clave del arte catalán del siglo XX, aunque optó por mantenerse en la sombra como maestro de artistas como Joan Miró o Llorens Artigas. Esta exposición pretende reivindicar su figura, a menudo eclipsada por su propia voluntad de discreción. El maestro invisible puede visitarse en el Museu Nacional d'Art de Catalunya del 21 de mayo al 14 de septiembre.

¿Por qué hay que ir? Galí desarrolló una obra que atraviesa movimientos como el modernismo, el noucentisme y las vanguardias, destacando como pintor, muralista, pedagogo y cartelista. Con esta exposición, el MNAC no solo recupera su memoria, sino que reinterpreta críticamente el legado simbólico e histórico de Galí y del propio museo, conectándolo con los procesos de construcción nacional e institucional de la Cataluña del siglo XX.

¿De qué va? En esta exposición hay más de 300 imágenes de grandes artistas de la cultura europea, todas filtradas por el criterio y el pensamiento de Georges Didi-Huberman, uno de los historiadores del arte y filósofos más importantes de nuestro siglo.

¿Por qué hay que ir? La muestra reivindica el poder transformador de las imágenes, su capacidad de conmocionarnos, y se pregunta: ¿cómo hemos representado las emociones en el arte? Las respuestas las articulan artistas como Brecht, Camarón, Colita, Dalí, Giacometti, Goethe, Goya, Hugo, Jahnsen, Lorca, Mercadier, Miró, Pasolini, Picasso, Rodin, Trouvé o Zürn.

¿De qué va? Citissimum, altissimum, fortissimum es una exposición colectiva en el centro Santa Mònica que reflexiona sobre el deporte de competición como metáfora del mundo contemporáneo, disponible hasta el 14 de septiembre. Más allá del ámbito deportivo, la muestra aborda cómo la sociedad actual se ha convertido en un gran escenario de rendimiento, medición y competitividad, donde personas, cuerpos y acciones están sometidos a una lógica de autosuperación constante.

¿Por qué hay que ir? A través de obras de diversos artistas y colectivos, y con ironía y desconstrucción, se exploran temas como el control del cuerpo, la presión por mejorar y la mercantilización del esfuerzo. El deporte se presenta como un símbolo claro de esta cultura de comparación incesante, donde la tecnología, los datos y los valores de productividad y eficiencia dominan el relato. La exposición invita a cuestionar cómo esta obsesión colectiva por superarnos, aparentemente natural, se ha convertido en espectáculo y en dogma interiorizado.

¿De qué va? Una escultura de franjas de colores que se apilan hasta alcanzar los siete metros de altura recibirá a los visitantes que asomen la cabeza en La Pedrera hasta el 6 de julio. Es una obra de Sean Scully, el artista abstracto dublinés que vivió en Barcelona durante 14 años y que se reencuentra con la ciudad ahora que la Fundació Catalunya La Pedrera le ha dedicado una exposición retrospectiva.

¿Por qué hay que ir? Para ver más de sesenta obras entre pinturas, esculturas y fotografías, que conforman un recorrido cronológico por las seis décadas de producción de Scully, convirtiéndose en la exposición más completa del artista que se ha hecho nunca en esta ciudad. 

¿De qué va? La obra de Marria Pratts opera como un diario personal. En los lienzos juntos de fantasmas, smileys y garabatos de color rosa, la pintora desgrana las experiencias que le han marcado como artista y como persona. La exposición que le ha dedicado la Galería Mayoral se vertebra a través de dos momentos vitales: la muerte de su madre, cuando el artista era todavía una criatura, y el nacimiento de su hijo.

¿Por qué hay que ir? Para ver como el arte une el pasado y el futuro con un punto de vista esperanzador. Pratts innova en la técnica, pero es heredera de la pintura de Tàpies y Miró. Y los temas que pinta son universales: la muerte, el nacimiento y el amor están en el centro de su obra, que es capaz de sacudirnos desde la potencia y el impacto, pero también desde la ternura y la sensibilidad.

¿De qué va? Nadie pinta desde cero. Pero al observar las pinturas matéricas de Antoni Tàpies, con sus colores lisos, materiales pobres y la extrema simplicidad de sus símbolos, podríamos llegar a pensar que el artista lo consiguió. En sus obras más famosas, Tàpies nos invita al silencio y a la contemplación, para que aprendamos a mirar con más profundidad en un mundo saturado de imágenes. Ahora, el museo se pregunta: ¿cuál era el imaginario de Tàpies cuando empezó a pintar?

¿Por qué hay que ir?
Para sumergirte en el entorno visual del artista a través de medio centenar de obras y más de un centenar de objetos y documentos de distintas naturalezas. Después de un año de celebración por el centenario de Tàpies, esta exposición nos invita a redescubrirlo desde nuevas perspectivas, cuestionando los relatos más hegemónicos sobre su trayectoria.

¿De qué va? La exposición Plegarias de resistencia recoge más de 25 años de trayectoria de Carlos Motta, un artista que explora el cuerpo y la disidencia sexual como formas de protesta política. La muestra incluye desde sus primeros autorretratos fotográficos hasta sus performances y videoinstalaciones más recientes, creando un recorrido por su evolución artística y temática.

¿Por qué hay que ir? Motta investiga los archivos históricos para revelar violencias y silencios impuestos por el poder. Cuestiona la visión eurocéntrica de la historia, la colonización y el papel de la religión como herramienta de control. Establecido en Nueva York desde los años noventa, su trabajo trata la política de género, la sexualidad y la crisis del VIH/sida.

¿Qué es?

Bowie x Sukita es la muestra que ha traído a Barcelona unas setenta instantáneas que Masayoshi Sukita disparó a David Bowie durante los 40 años en que lo fotografió. Es, además, la primera vez que se presenta un archivo completo de Sukita en España.

¿Por qué has de verla?

El nuevo espacio de FotoNostrum, en el número 19 de la calle Princesa, acoge hasta el 15 de septiembre esta retrospectiva que incluye algunas de las imágenes más icónicas del músico inglés y otras prácticamente desconocidas.  Destacan las instantáneas de la icónica sesión de 1973 donde Bowie posaba con un extravagante traje de Kansai Yamamoto sobre un fondo rojo. También encontramos una foto curiosa de un concierto en Japón donde el cantante se desnudó ante el público —tan delgado como era, solo se dejó puestos una especie de calzoncillos de sumo—, y la magnífica sesión de la que salió la portada de Heroes.

¿De qué va? Barcelona acoge la mayor exposición jamás realizada en España y la primera de gran relevancia dedicada a Fernando Botero. Poco más de un año después de su fallecimiento, el Palau Martorell de Barcelona organiza la muestra más completa sobre la pintura del artista colombiano que se haya presentado en el país. Comisariada por Lina Botero y Cristina Carrillo de Albornoz, esta exposición rinde homenaje a uno de los artistas más importantes del siglo XX, reconocido por su estilo de volúmenes monumentales y colores vibrantes, conocido como boterismo.

¿Por qué hay ir? Para recorrer más de sesenta años de su carrera a través de más de 110 obras de todo tipo: esculturas, óleos, acuarelas, sanguinas, carboncillos, dibujos a lápiz, entre otros. Además, algunas de las pinturas que se exhiben en ‘Fernando Botero. Un maestro universal’ provienen de colecciones privadas y han sido cedidas excepcionalmente para esta exposición.

Más allá de los cuatro largometrajes protagonizados por Keanu Reeves, el fascinante universo creado alrededor de esa máquina de matar llamada John Wick ha dado lugar a un spin-off seriéfilo (The Continental, disponible en Prime Video) y, ahora, a esta Ballerina, que se sitúa entre la tercera y cuarta entrega de John Wick. Con una Ana de Armas ya plenamente consolidada en Hollywood al frente del proyecto, la película mantiene la sofisticación de las escenas de acción de la franquicia principal y profundiza en la ya conocida escuela de ballet dirigida por Anjelica Huston, que en realidad es una tapadera para formar asesinas a sueldo para la organización Ruska Roma.

Con armas semiautomáticas, en lucha cuerpo a cuerpo o con un lanzallamas, Eve Macarro (el personaje de De Armas) se convierte en una perfecta discípula del ya icónico Wick. Y, como no podía ser de otra manera, tres de las almas que protagonizan la saga vuelven a aparecer aquí: Ian McShane, el ya fallecido Lance Reddick y el incansable Keanu Reeves. Ballerina hará las delicias de los amantes del cine de acción sin artificios ni excusas.

Dir.: Len Wiseman (EE. UU., 2025). 125 min. Estreno: 6 de junio.

Ha sido una de las grandes sensaciones del último Festival de Cannes, y de hecho se llevó el Premio del Jurado. No era la primera presencia del cine de Oliver Laxe en el palmarés del certamen (antes fue premiado por Todos vós sodes capitáns (2010), Mimosas (2016) y O que arde (2019)), pero el galardón de este año por la explosiva Sirât es el primero que consigue participando en la Sección Oficial. Los méritos del cineasta son indiscutibles: la potencia estética del filme va acompañada de una historia que mezcla elementos de road movie con un aire de western existencial, coronado por dos o tres escenas que dejan al espectador boquiabierto.

La trama de Sirât nos presenta a un hombre (extraordinario Sergi López) que, acompañado de su hijo pequeño, llega al desierto de Mauritania, donde se celebra una rave. El protagonista busca a su hija desaparecida meses atrás, y las pistas lo han llevado hasta allí. No la encuentra de inmediato, pero decide seguir a un grupo de asistentes que conducen sus camiones hasta una segunda fiesta tecno. Y es en este trayecto donde las vidas de todos cambiarán de formas que no se pueden imaginar.

La radicalidad de la propuesta de Laxe y su capacidad hipnótica, tanto por las imágenes como por la música que las acompaña, consiguen que Sirât sea una de esas experiencias que van más allá de la sala de cine. Podemos dar fe de que las imágenes y sorpresas que esconde permanecen en el espectador durante días, semanas, después de su visionado. Una de las películas indiscutibles de este 2025.

Dir.: Oliver Laxe (España, 2025). 120 min. Estreno: 6 de junio.

La precariedad se esconde en cualquier rincón, y la trama de Cuatro paredes sirve como advertencia: que nadie se confíe. En el nuevo filme del director (La cima, El bus de la vida) y productor (Robot dreams, Blancanieves) Ibon Cormenzana, sus protagonistas, una mujer y su hija de 10 años, deben gestionar la pérdida del padre y las consecuencias de una muerte que podría hacerles perder su vivienda y dejarlas en la calle.

Con la colaboración de la actriz Manuela Vellés en la estructura del guion, Cormenzana se ha inspirado en experiencias reales de mujeres participantes en programas de la ONG Save the Children, con la que colabora. Con la pequeña Sofía Otero (premiada en Berlín por 20.000 especies de abejas) como coprotagonista e hija de Vellés en la ficción, Cuatro paredes emociona, pero también alerta sobre una realidad que convive con nosotros, y que muestra la fragilidad del día a día en medio de un capitalismo feroz que nos lo puede arrebatar todo en cualquier momento.

Dir.: Ibon Cormenzana (España, 2025). 82 min. Estreno: 6 de junio.

La novela homónima de Rosa Montero cobra vida cinematográfica de la mano de Gracia Querejeta, y se nos ofrece una singular mezcla de géneros, con toques de drama y thriller emocional, en la que predomina el misterio que rodea a su protagonista, un reputado arquitecto que, durante un viaje en tren, decide bajarse en un pueblo perdido y, en lo que parece un impulso, compra una casa.

Conocer las motivaciones de este personaje, que parece huir de algo y que se inventa una excusa diferente para cada curioso del pueblo, se convierte en la razón de ser de una película difícil de clasificar. La buena suerte habla del destino, de violencias domésticas, de padres e hijos, de vidas detenidas y de rendirse o rebelarse ante los golpes de la vida. Hugo Silva y Megan Montaner se reencuentran una década después de Dioses y perros, y protagonizan un filme donde brilla el veterano y siempre magnífico Miguel Rellán.

Dir.: Gracia Querejeta (España, 2025). 90 min. Estreno: 6 de junio.

Las primeras escenas de la delirante, y divertidísima, Fight or flight nos muestran una pelea en medio de un avión de pasajeros, un todos contra uno donde, incluso, vemos volar una motosierra. Los fans del cine de acción sin complejos quedarán atrapados desde ese momento por el desparpajo de una película de serie B, gamberra y pasada de vueltas, con sangre, vísceras y destrucción, que se apoya en varios clichés (un antihéroe obligado a aceptar una misión, un ciberterrorista, un secuestro aéreo, una amenaza global) para sacudirlos y dar alas a una fiesta desmadrada.

A medio camino entre el thriller y la comedia, Fight or flight juega con las armas del cartoon y convierte a un resucitado Josh Hartnett (en una segunda vida tras el éxito de La trampa) en una mezcla acrobática entre John Wick y Bugs Bunny, que encuentra rincones insólitos dentro de un avión para convertirlos en rings mortales. Cine pulp para pasarlo en grande.

Dir.: James Madigan (Reino Unido, 2025). 97 min. Estreno: 13 de junio.

De la confusión sentimental a la sensación de fracaso vital hay solo dos pasos. Y los cuatro personajes protagonistas del primer largometraje como director de Iván Morales navegan en esas aguas de desorientación y desamor. Anna Alarcón, Marina Salas, Iván Massagué y Álvaro Cervantes hacen un trabajo magnífico al dar vida a estas cuatro criaturas que podrían ser cualquiera de nosotros, y que entrelazan y separan sus caminos en una especie de red emocional de pequeños relatos cotidianos interconectados.

Adaptando su propia obra teatral homónima, y con una banda sonora donde predomina la música urbana, Morales construye un retrato generacional sugerente y amargo que reflexiona sobre la fragilidad de los vínculos en el mundo actual, y sobre las heridas del corazón y la pérdida de fe que todos, en mayor o menor medida, intentamos gestionar.

Dir.: Iván Morales (España, 2025). 100 min. Estreno: 13 de junio.

En un Reino Unido aislado en una cuarentena eterna de casi tres décadas, infestado de aquellos zombis que conocimos en 28 días después (y volvimos a ver en 28 semanas después), solo una pequeña isla parece sobrevivir a los peligros de los muertos vivientes. Y allí encontramos una comunidad de supervivientes liderada por Aaron Taylor-Johnson (hoy por hoy el mejor posicionado para convertirse en el nuevo James Bond), Jodie Comer (Killing Eve) y un Ralph Fiennes al que Conclave ha consagrado como uno de los actores del año.

Con evidentes referencias a los efectos del Brexit, haciendo paralelismos entre el virus biológico y el social que ha transformado la sociedad británica, el guionista Alex Garland (director de Civil War) y el cineasta Danny Boyle vuelven a unir fuerzas para ofrecer una trepidante tercera entrega que, a la vez, es la primera de una nueva trilogía. Hay franquicia zombi para rato.

Dir.: Danny Boyle (Reino Unido, 2025). 126 min. Estreno: 20 de junio.

Después de varios años colgando el cartel de “entradas agotadas” en prácticamente todos los montajes teatrales que protagoniza (con fenómenos como El curiós incident del gos a mitjanit, Hamlet y El misantrop), Pol López empieza a consolidarse también en el audiovisual, especialmente gracias a Suro y a la serie Nos vemos en otra vida. Ahora protagoniza casi en solitario La furgo, adaptación de la novela gráfica homónima de Ramon Pardina y Martín Tognola, también guionistas del filme y debut del director Eloy Calvo.

A partir de la historia de un padre divorciado que, en medio de una pésima racha, malvive en su furgoneta mientras intenta no perder la custodia de su hija, la película reflexiona sobre la precariedad y el problema de la vivienda, así como sobre la salud mental. Y lo hace con un tono de cuento que utiliza la ternura y la empatía como armas, dejando una ventana abierta a la esperanza.

Dir.: Eloy Calvo (EE. UU., 2025). 88 min. Estreno: 20 de junio.

El mismo año en que celebramos el regreso a la primera línea cinematográfica de Demi Moore y Adrien Brody (con Oscar incluido, en este caso), también merece atención otra reivindicación: la que propone Gia Coppola (nieta de Francis y sobrina de Sofia) sobre alguien a quien nunca dejaron salir del encasillamiento como símbolo sexual. Pamela Anderson, eterna vigilante de la playa para toda una generación, protagoniza esta historia sobre la decadencia y el paso de un tiempo que no volverá. Su personaje es el de una bailarina de un local de Las Vegas que, al llegar a los 50, ve cómo la madurez no encaja en un mundo de poca ropa y mucho deseo.

Shelly/Pamela debe enfrentar las consecuencias de tantos años dedicados a sí misma, en el momento en que toma conciencia de que probablemente todo ha sido un gran error sin solución. Tener una hija semiabandonada llena de reproches servirá de espejo para esta mujer sin muchas esperanzas de redimirse. Anderson asume el papel de su vida y brilla, demostrando el error de una industria que siempre la trató como un pedazo de carne. Jason Schwartzman y una magnífica Jamie Lee Curtis la acompañan en este honesto relato sobre segundas oportunidades que nunca llegan.

Dir.: Gia Coppola (EE. UU., 2024). 86 min. Estreno: 20 de junio.

Explica el director Joseph Kosinski (Top Gun: Maverick) que con F1 han querido hacer “la película de carreras automovilísticas más auténtica y realista jamás realizada”. Han pasado décadas desde aquel Grand Prix (1966) de John Frankenheimer, y de 500 millas (1969), con un piloto profesional como Paul Newman al frente. Y menos tiempo desde el estreno de la magnífica Le Mans '66 (2019). Referentes que ponen el listón alto a este largometraje.

Casi tan aficionado a la Fórmula 1 como Newman es Brad Pitt, protagonista y alma de esta historia, en la que interpreta a una vieja gloria del automovilismo alejado de los circuitos tras un accidente, que ahora recibe una oferta de regreso convertida en una segunda oportunidad para recuperar el tiempo perdido. Clásica historia de redención y choque generacional, pues el protagonista deberá enfrentarse al empuje de un joven piloto arrogante (interpretado por Damson Idris). F1 apuesta por la espectacularidad de una filmación con cámaras IMAX y por la capacidad inmersiva de una superproducción que cuenta en su reparto con Javier Bardem y el piloto Lewis Hamilton.

Dir.: Joseph Kosinski (EE. UU., 2025). 155 min. Estreno: 27 de junio.

El conflicte entre generacions és l'origen del teatre. Basta recular a L'orestea, avançar fins a Rei Lear i acabar, per exemple, en L'herència o Tots ocells per tenir-ho encara més clar. D'una manera o altra, les relacions entre pares i fills, de sang o d'adopció, mou trames i passions. Ramon Madaula s'ha fet seu el gran tema en diverses obres, com Adossats o Els Brugarol, sempre des de la comèdia. I Loop és una obra diferent, força lluny, per sort, d'aquestes dues.

D'entrada, no tinc clar que sigui una comèdia, sinó més aviat un drama amb totes les de la llei. Bé, no esperin cap trama com les de les obres citades més amunt, però és una funció que demostra, ja des del títol, que el xoc generacional ve de lluny, que es repeteix sense parar al llarg de dècades, segles i mil·lennis, que ja naixem sabent que els progenitors ens faran la punyeta i que nosaltres farem el mateix amb la nostra descendència. Madaula ho porta a escena amb un muntatge paral·lel entre el present, amb un pare (ell mateix) i una filla (Júlia Genís) que es discuteixen, i el passat, amb el mateix pare convertit en fill i la filla que esdevé la seva àvia.

Después de ver Mesures extraordinàries sería fácil trazar un triángulo entre la comedia negra de Yago Alonso y Carmen Marfà con Aquelles que no han de morir de Las Huecas y Ramon de Mar Monegal. Para empezar, porque con la primera comparte el espinoso tema de qué hacer cuando muere un familiar cercano, todo lo que cuesta enterrarlo y el negocio que hay detrás. Son dos obras muy distintas, pero hablan de lo mismo y llegan a conclusiones parecidas. Con la pieza de Monegal, la conexión es a través de Francesc Ferrer, que aquí se llama Toni y allí era Ramon, un hombre de mediana edad obligado a volver a casa de sus padres como un fracasado. El uno y el otro son muy parecidos, y Toni podría ser Ramon diez años después, con una hija adolescente a su cargo y un padre al que enterrar con poca liquidez en el banco.

Alonso y Marfà estrenaron una especie de versión previa de Mesures extraordinàries en la sala Flyhard en 2022 con un título más directo: Instruccions per enterrar un pare. Y era la única de las obras del dúo que no había dado el salto al teatro comercial, a diferencia de Ovelles y La pell fina. Hace tres años, con Eduard Buch, Sara Diego y Teresa Vallicrosa en lugar de Ferrer, Mia Sala-Patau y Mercè Arànega, el montaje funcionaba muy bien como un trabajo indie, atrevido, una comedia negra que, como sus otras obras, tenía un fuerte componente generacional y social, con el foco puesto en la herencia y el cierto fracaso social de la generación que ronda los 40, que no ha conseguido vivir mejor que sus padres.

Hoy en día es complicado escribir una comedia romántica que no nos dé la sensación de que ya la hemos visto. Se han hecho tantas, en el teatro y en el cine, con Hollywood como la meca de un género que ha llenado de referentes a varias generaciones de seres humanos. Kramig no pretende ser muy diferente: tenemos a Toni (Biel Duran) y Laia (Anna Moliner), que se conocen por Tinder, se entienden, comienzan una vida en común y les pasan cosas. Son muy distintos, hasta el punto de parecer arquetipos. Él es supersticioso, desganado y habla ocho veces al día con su madre. A ella le encantan los peluches de Ikea, es antinormativa, pero quiere casarse sí o sí.

Marta Buchaca ha escrito y dirigido una obra muy de su universo, donde nada es lo que parece y sobrevuela un cierto tono oscuro. Así que ya podemos anticipar que la vida de Laia y Toni no transcurrirá plácidamente hasta que tengan su primer hijo. La autora ha construido la pieza sin seguir un hilo lineal, sino que la función avanza y retrocede continuamente. Pero el presente también es un artificio, porque nos tiene reservada una sorpresa. Este también es un elemento arquetípico de la comedia romántica contemporánea: el plot twist, el giro de guion que echa litros de vinagre en el aceite, aunque sin perder nunca la sonrisa.

Hay un momento de Non solum en el que de verdad te crees que en el escenario hay cerca de 90 personas que tienen la misma cara, la misma camisa y los mismos pantalones. Cada uno de ellos tiene sus particularidades. Hay uno que dice que es lampista, otro que trabaja en el catastro, otro que posee un ego magnífico, otro que es un fan incondicional del alioli... Y así hasta cerca de 90. La cuestión es que, en el teatro, solo hay un actor: Sergi López.

Hace veinte años, López estrenó en Temporada Alta este espectáculo sobre un hombre que entra en una casa para trabajar a raíz de un ligue y, poco a poco, va abriendo la puerta a distintos hombres que van al mismo lugar que él sin saber por qué. Entonces, para muchos, era un actor de Vilanova i la Geltrú que había ganado un César de la academia francesa, que aparecía aquí y allá en películas de autor del norte de Europa, en alguna de aquí. Y poca cosa más. Los teatreros lo miraban un poco por encima del hombro. Unos años después pasó por el Nacional y puso en marcha una gira interminable de Non solum en tres lenguas (catalán, castellano y francés) que se frenó hace unos cinco años, quizás cansado de repetirse.

Els ocells supuso un antes y un después para La Calòrica, sobre todo a nivel estético, porque por primera vez, entonces en la Beckett, pudieron levantar un montaje a la altura de sus posibilidades. Porque cuentan con unos actores y actrices magníficos, muy finos con la sátira, con la comedia descarada, un dramaturgo de primera y un director que aspira a las grandes ligas. Seis años más tarde, tras De què parlem mentre no parlem de tota aquesta merda, una inmersión en el conflicto climático y en su vida como compañía, y Le congrès ne marche pas, una fábula sobre los fundamentos capitalistas de nuestro mundo, vuelven a volar.

Y lo hacen con una obra, La brama del cérvol, que, cuando crees que ya no puede ir más lejos, da otra vuelta de tuerca para alcanzar la cima, en el mismo Teatre Lliure, con Alberto (Aitor Galisteo-Rocher), un director de escena veterano, llorando desconsoladamente porque ha robado mucho, ha robado tanto. Las escenas que hablan del mundo teatral local, incluidos ellos mismos, desmontan mitos, refuerzan otros y hacen que tanto el recién llegado como el que lo conozca de cerca no puedan parar de reír.

La racha de Victoria Szpunberg es remarcable. En dos años, ha estrenado tres piezas memorables, la última de las cuales, 'L'imperatiu categòric, ha aterrizado en el Lliure con dos intérpretes, Àgata Roca y Xavi Sáez, que defienden con uñas y dientes un montaje complejo que parte de la experiencia de la autora a la hora de buscar piso en Barcelona, un drama, pero que sabe elevarse por encima de la situación y ofrecernos toques de comedia ácida, muy británica, que convierte la obra en una función deliciosa, de primerísimo nivel.

En 'El pes d'un cos' (TNC, 2022), Szpunberg ya se fijaba en una mujer madura y sola que debe hacer frente a la pérdida del padre. Añadía elementos metateatrales, música y otorgaba todo el protagonismo a una actriz, Laia Marull, que sabía cómo cargar con ello, una soledad sinfónica. Aquí, con padre ausente y recién separada, Roca encarna a una profesora de filosofía que tiene quince días para abandonar el piso donde lleva más de una década viviendo, comprado por un fondo buitre. Se acerca a la cincuentena y no tiene ni trabajo fijo. Los hombres, todos con la piel de Sáez, son unos cafres que se ríen de ella y quieren aprovecharse de su aparente debilidad.

Travy es el nombre de una saga de actores y actrices. Como la de la familia de Oriol Pla. Este levanta el vuelo tras años de rodar con los padres y la hermana. Tiene la oferta de crear un espectáculo en un gran teatro de la ciudad, el Lliure. Y lo quiere hacer con su familia. Y se ponen manos a la obra. ¿Qué hacer? Una obra contemporánea o un clásico, que siempre funciona, sentencia Quimet Pla. Realidad y ficción se funden en este brillante debut de Oriol Pla en la dirección con un Quimet Pla maravilloso recitando Hamlet mientras se hace una minitortilla.

'Travy' es un caos ordenado (perdonen el oximoron). Magníficamente ordenado por la dramaturgia del director, de Pau Matas, y donde se ve la mano de Jordi Oriol. El caos de unos payasos que hacen reír pero también hielan el corazón. 'Travy' es un tierno y divertido homenaje, una carta de amor de un hijo a sus padres donde se asoman los parientes de Vladimir y Estragón y los alocados clowns de los Colombaioni en una propuesta salpicada de Commedia dell'Arte y bastante más profunda de lo que pueden sugerir los rostros encalados del matrimonio Plan / Solina. Imprescindible.

Después de algunos rumores y alguna 'fake new' que resultaró no ser tan falsa, quizás más bien una filtración, Guns N'Roses han confirmado que actuarán en Barcelona en 2025. Y si en sus dos últimas giras los californianos decidieron saltarse Barcelona –pasaron por Madrid y Vigo en 2023 y por Sevilla en 2022– ahora darán en nuestra ciudad el único concierto de esta gira en territorio español, será el 9 de junio en el Estadi Olímpic Lluís Companys.

Llega una nueva edición –¡la 32a!– del Sónar, que trae de nuevo a Barcelona las propuestas más avanzadas de música, creatividad y tecnología, esta vez del 12 al 14 de junio de 2025. Como siempre, el Sónar de Día y el Sónar+D se celebrarán durante las tres jornadas en la Fira de Montjuïc y Sónar de Noche tendrá lugar en la Fira Gran Via las madrugadas del viernes y el sábado. Entre los primeros artistas confirmados se encuentran Nathy Peluso, Arca, Eric Prydz, BICEP, Maria Arnal y Samantha Hudson, entre un total de 117 espectáculos en directo, sets de DJ y performances.

Seis años después de su primera (y única) visita a Barcelona, Billie Eilish volverá a pisar la ciudad con su nueva gira Hit Me Hard and Soft: The Tour. La cantante ofrecerá dos conciertos en el Palau Sant Jordi el 14 y 15 de junio de 2025 y las entradas se pondrán a la venta a partir del 3 de mayo en la página web de Live Nation a las 11 h a partir de 66 euros más gastos de distribución. La artista ha publicado la noticia en sus redes sociales con el cartel oficial de la gira que, de momento, tiene 81 fechas y dará el pistoletazo de salida en Quebec el 29 de septiembre de 2024 y se despedirá en Dublín, el 27 de julio de 2025. La gira llega justo antes del lanzamiento de su nuevo álbum 'Hit me hard and soft', que sale el 17 de mayo.

La veterana cantautora estadounidense Lucinda Williams es difícil de ver en directo. En sus casi 50 años de carrera, solo ha visitado Barcelona en dos ocasiones. La primera fue para presentar Little honey (2008) en la Sala Apolo y la segunda, en 2013, en la antigua BARTS (hoy Paral·lel 62) dentro del festival Guitar BCN. La tercera será este 19 de junio de 2025, en la Sala Apolo, una gran oportunidad para disfrutar de cerca de una de las grandes figuras de la música de raíz estadounidense, esa mezcla de country, folk, blues y rock que desde los años 90 llamamos americana.

El Share Festival, que se instala de nuevo al Parc del Fòrum el 20 y el 21 de junio, tiene a Bad Gyal como gran cabeza de cartel de su séptima edición. A la de Vilassar de Mar, se suman en la letra grande de estos dos días de música urbana la estrella puertorriqueña Eladio Carrión, el cantante de Granada Saiko y la argentina Emilia. Además, también estarán Juan Magán, Omar Courtz, FloyyMenor, Gonzy, Figa Flawas, De la Rose, RaiNao, L-Gante, The Tyets, Julieta, La Joaqui, Violeta, Denna, Inga Khubua, Trapella, Tay de León y Maki. 

El antiguo Festival Jardins de Pedralbes ya hace un par de años que se ha trasladado al Poble Espanyol y ha consolidado su nueva apuesta bajo el nombre de Alma Festival Barcelona (también celebra una edición en Madrid). Este 2025, se celebra del 25 de junio al 23 de julio y ya ha anunciado grandes nombres como The Corrs, que actuarán en Barcelona el 29 de junio, 27 años después de su última visita (a lo largo de este tiempo sí que han actuado, par de veces, en Cap Roig).

Otros artistas que ya ha anunciado el festival son Camila Cabello (24 de junio), Wilco (26 de junio), The Cult (27 de junio), Alan Parsons Live Project (28 de junio), Los Tigres del Norte (1 de julio), Guitarricadelafuente (2 y 3 de julio), Madness (4 de julio), Zahara + Natalia Lacunza (5 de julio), Parov Stelar (7 de julio), Fangoria (8 de julio), Residente (14 de julio), G-5 (16 de julio), Rag’n’Bone Man (18 de julio) i Julieta Venegas + Rita Payés (21 de julio). Las entradas ya están disponibles en la web del festival. 

Santa Coloma ya empieza a afilar las guitarras. Como cada año, el Barcelona Rock Fest concentrará una contundente representación de la escena metálica internacional, y esta vez con un día más, ya que este 2025 suma una jornada y pasa de tres a cuatro días. Esto será del 26 al 29 de junio en el Parc de Can Zam y ya tenemos las primeras confirmaciones. Por el momento, los fundamentales Judas Priest, los alemanes Scorpions, que gracias a sus baladas son populares más allá de las fronteras del género, y los también alemanes Running Wild (de Hamburgo, en lugar de Hannover), pioneros del power y el speed metal.

Una segunda tanda de confirmaciones ha anunciado los estadounidenses Slipknot, que no han actuado en Barcelona desde 2009, y la banda escocesa de folk metal Alestorm, pero todavía faltan muchos más nombres por confirmar. 

Después de dos años retirada de los escenarios, Rigoberta Bandini anuncia que volverá a Barcelona con un concierto en el Palau Sant Jordi, recinto donde cerró su última gira en el 2022. La cantante barcelonesa Paula Ribó –su nombre real– ofrecerá un concierto en la capital catalana el 28 de junio de 2025, una actuación que formará parte de su nueva gira Jesucrista Superstar. El tour recorrerá diez de las grandes ciudades de España: empezará el 31 de mayo en Sevilla y pasará por Bilbao, Pamplona, ​​Zaragoza, A Coruña, Barcelona, ​​Murcia, Valencia, Madrid y Málaga, donde celebrará el último concierto el 18 de julio.